Entrevista a Jan Oxenberg – Por Luciana Zurita y Miguel Ángel Gutiérrez

LZ: ¿Cómo fue el proceso de construcción de A Comedy in Six Unnatural Acts?

JO: Es una película que hice hace mucho tiempo. Las personas queer, gays y lesbianas estaban empezando a salir del closet, había una sensación general, de “Por favor acéptenos”, en cambio, yo quería algo más descarado. La película es una sátira de la imagen estereotipada de las lesbianas, muchas de las cuales han sido difundidas por el cine de Hollywood. Yo quería hacer una película que las lesbianas y otras personas pudieran disfrutar respondiendo “Bueno, con que quieres llamarnos enfermas, locas o lo que sea”, vamos a tomar esa idea y la vamos a invertir, vamos a celebrarnos, no tenemos miedo, celebramos nuestro amor y cultura, entonces, vino desde ahí. Por otro lado, estaba en la Escuela de Cine cuando hice la película, quería aprovechar la oportunidad de experimentar con distintos tipos de cine, tuve algunos profesores maravillosos, que habían hecho grandes películas en Hollywood, Alexander Mackendrick, el director de Sweet Smell of Success, era el director del Departamento de Cine en CalArts. Cada uno de los seis actos antinaturales está hecho imitando el estilo de diferentes tipos de películas de Hollywood.

MG: Está buenísimo porque tus películas son muy graciosas, y es interesante cómo se van mezclando cada uno de los actos, nos reímos muchísimo…

JO: Me emociona porque el objetivo era que fuese gracioso, que fuera entretenido, no solamente algo serio.

LZ: ¿Cómo fue la recepción y exhibición de esta película? ¿La pudiste proyectar en cines?

JO: Cuando hice la película, a mediados de los setenta, hace un millón de años, se estaba formando una comunidad que venía en parte del Movimiento de Liberación de las Mujeres, y en parte del Movimiento Gay. Había entonces ciertos espacios culturales por todo el país y en otros países que mostraban estas películas en universidades, cafeterías, bibliotecas, granjas y festivales donde la gente iba al bosque con un proyector y mostraban las películas, claro, no eran exhibidas en salas de cine normales durante la época. La película que hice antes de esta, mi primera película, también era una película queer, se llamaba Home Movie, era una película autobiográfica sobre salir del closet, y claro, no había un método regular para conseguir que alguien reseñe la película, así que le pedí a mi madre que haga una crítica de la película para el afiche, y lo hizo, dijo “Home Movie es una película sensible y bien hecha, creo que mi hija Jan es una cineasta talentosa y espero que haga pronto otro tipo de películas”. Para su lástima, seguí con el mismo tema, pero ella se volvió una gran fan. Hacíamos nuestros folletos y los distribuíamos, era todo un cine guerrilla y una exhibición guerrilla. También fuimos a festivales de cine, las películas se vieron en muchos festivales europeos, por ejemplo, en Edimburgo, en el Festival de Berlín, en Holanda. ¡Creo que esta es mi primera vez en Chile!

LZ: ¿Cómo fue tu paso por el programa de Arte Feminista del Instituto de California (CalArts)?

JO: Judy Chicago dirigía el programa de arte feminista en la Escuela de Cine de CalArts, yo participé del programa. Entre otras cosas soy mala para el arte, no puedo dibujar nada, no tengo talento artístico, entonces me decidí a hacer películas. En ese tiempo estaba la idea de que las voces y sensibilidades de las mujeres no habían sido notadas antes. Puedes estar de acuerdo o no con la idea, de que las mujeres tienen una estética diferente, se hacen círculos o lo que sea, pero sin duda el contenido de nuestras vivencias, que nuestro arte puede decir algo sobre la vida de las mujeres, era algo que no se había visto. Ese era el contexto en el que hice estas películas.

MG: Pasando a Thank You & Good Night, es increíble cómo está toda tu familia entrometida en la película y nos gustaría saber ¿Cómo fue ese proceso de negociación?

JO: Me encantaría poder decir ahora “¡Ricky ven aquí!”. Mi familia era muy auténtica y cada uno estaba siendo como era, pero gran parte de la autenticidad en mi familia eran conflictos y peleas. En una parte de la película le digo a mi madre “Esta es mi madre” y ella dice “¡Jan, ¿podemos acabar con esto ya!? Creo que le pedí que dijera eso, pero porque lo había dicho varias veces. Mi hermano Ricky que es parte importante de la familia y ahora es profesor de filosofía, el habla de forma emocional, y apasionada, de forma poco común. Él estaba molesto conmigo cuando salió la película, le gustaba la película, pero sintió que me estaba burlando de él, y bueno, el personaje animado se dispara mientras él habla, bueno, tengo que admitir que sí me reí un poco de él. Durante un tiempo él estuvo molesto, y eso me molestaba. Me alegra mucho que con Sandra Schulberg e IndieCollect, y el estreno de la película, Richard Brody hizo una crítica muy bella de ella en The New Yorker, que habla mucho de la profundidad con la que mi hermano habla. Eso ayudó a hacer las paces. Le mostró la película a su hijo, mi sobrino Gabriel, él solo dijo “¿Por qué mejor no vemos Batman?”. No tuve que rogarle a nadie de la familia para que aparezca, por otro lado, tienen que saber que no tenía dinero para hacer la película. Nunca tuve planeado hacer una película sobre la muerte de mi abuela, eso fue lo último que hubiese pensado. Fue algo que ocurrió de a poco. No teníamos un equipo documental que estuviese todo el día encima de la familia, filmando todo, no fue así de ningún modo. Filmamos en momentos específicos, prácticamente cada escena que filmamos quedó en el montaje de la película. Tienes que estar dispuesta a eso, creo que si haces una película sobre tu familia tienes que estar dispuesta a ser honesta, tienes que estar dispuesta a hacer lo necesario para que tu familia, o quien sea, quiera estar en la película, o tienes que estar dispuesta a que haya un poco de disputa en el proceso.

LZ: ¿Nos contarías sobre la idea de la ilustración y por qué decidiste utilizarla?

JO: Tenía algunos registros documentales que hice con mi abuela cuando enfermó. No tenía idea qué iba a hacer con ese material, además no tenía suficiente material para hacer un documental normal si hubiese querido. Al año siguiente empecé a escribir un guion, transcribí las escenas documentales, la escribí como si fuesen escenas de una ficción. Hice un guion alrededor de estas escenas. Hubo películas que creo influyeron en mí, una fue Annie Hall de Woody Allen, que tiene diferentes estrategias para entrar y salir de la narración, animación, documental falso. La otra fue una película alemana maravillosa de Hans-Jürgen, una película sobre Alemania. Es una película de unas 7 horas que vi en el teatro público de Nueva York de Jo Papp, un teatro muy artístico. Es una reflexión sobre cómo Alemania llegó a tener a Hitler y utiliza de todo, hay un documental, hay dramatizaciones, hay muñecos, fotografías de las estrellas, todo lo que puedas imaginar está en la película, creo que eso me dio la idea de que podía hacer algo poco convencional. Tuve la idea de utilizar los recortes, si es que reflexiono al respecto, creo que tuve una intención con los personajes recortados de mi abuela, y yo misma como una niña furiosa de 5 años, haciendo grandes preguntas sobre la vida y la muerte “¿Por qué la gente muere? ¿Por qué no le enseñó a mi mamá a cocinar?” Cuando alguien a quien amas se está muriendo, de alguna forma vuelves a ser quien eras cuando tuviste esa primera conexión. Esa era yo cuando mi abuela se estaba muriendo, era esa niña cariñosa, enojada y curiosa. No aceptaba la muerte, quería ir a buscarla en una nave espacial. Las animaciones de recorte no pueden morir, no cambian de trabajo, no tienen un agente. La película se demoró un tiempo, fui afortunada al utilizar personajes recortados, siempre estaban disponibles.

MG: Para ir cerrando, ¿Cómo fue el trabajo de montaje de Thank You & Good Night? Debió ser muy largo y complejo y quisiéramos saber sobre el proceso ¿Cuánto demoraste? ¿Con cuántas personas trabajaste? ¿Cuántos cortes tuvo la película? ¿Cuántas versiones hubo?

JO: En realidad lo que se demoró mucho en la película fue juntar el dinero para rodarla y terminarla como quería. Lo crean o no, no todo el mundo pensaba que una película protagonizada por recortes, gente real y actores, sobre mi abuela muriendo de cáncer, era una película que podía funcionar, entonces, rodaba un poco y trataba de juntar más dinero. Eso fue lo que demoró mucho tiempo. Finalmente, American Playhouse y POV de la televisión pública, que financiaba películas independientes en ese entonces, fue la primera producción. Uno producía películas de ficción y documental, esta película, que obviamente es un híbrido entre documental y ficción, ambos lo financiaron. Era un presupuesto pequeño, pero era suficiente para terminar el rodaje, editar el material y terminarla. Pero respecto a la pregunta de cuánto tomó la edición y cuántas versiones hubo, había un guion, no era un documental normal, obviamente cuando filmas a un personaje de cartón volando en un cohete espacial y saliendo por el techo de la casa hacia el espacio, eso no era material documental, ¡Alerta de spoiler! Entonces, el proceso de montaje fue similar a un proceso de rodaje corriente, era muy larga. Recuerdo que ir a la sala de edición un fin de semana y cortar 20 minutos, sabía que tenía que continuar, y encontrar el tono correcto, fue difícil porque hay partes muy duras en la película, decidí ser real y honesta respecto a lo que le estaba pasando a mi abuela, la película tiene tonos bastantes diversos, hay partes graciosas, hay partes tristes, hay momentos difíciles de ver, pero que son reales. Entonces, el montaje se basó en seguir el guion y ver cómo podía ajustarlo para que sea la mejor versión posible del guion.

LZ: ¿Actualmente estás trabajando en una próxima producción, ya sea como guionista de TV, o como directora de cine?

JO: Lo bueno es que Criterion Collection compró estas películas y justo acabo de trabajar en dos series de TV. Trabajé en una serie adolescente sobre misterio y asesinatos que hicieron en Auckland One of Us is Dying, ¡La acaban de estrenar! Y recién regresé de Savannah, Georgia, de hacer una serie de Apple llamada Manhunt es sobre la búsqueda de John Wilkes Booth, quien asesinó a Abraham Lincoln, tiene un tono diferente al de la serie adolescente de misterio. Es una serie sobre lo que sucedió después de la Guerra Civil en mi país después del asesinato de Lincoln, qué pasaba con los esclavos liberados, y con la promesa de igualdad de la Guerra Civil. Es un thriller sobre la búsqueda de John Wilkes Booth, pero también es una historia política y emotiva. Volví de ese rodaje apenas hace unos días, entonces ahora puedo volver a trabajar con Criterion Channel que me pidieron que hiciera una nueva película para acompañar a Thank You & Good Night, quieren que la actualice, o lo que sea que pueda servir de complemento, entonces estoy trabajando en ese guion. ¡Muchas gracias por la entrevista! Estoy muy emocionada. Saludos a mis viejos amigos en Chile, recuerden a esa chica tímida que llegó allí en quinto grado.

Ambas películas de Jan Oxenberg forman parte de la cuarta sesión del programa Formatos Híbridos, programado por Luciana Zurita y Miguel Ángel Gutiérrez.

El resto de la programación puede consultarse aquí: https://cchv.cl/programacion-ciclo-cine-formatos-hibridos/

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